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va por vosotros: artistas olvidados que se merecen un homenaje

Martes, abril 4th, 2017 | T: lamono

Olvidar inspira nostalgia. Evoca esa falta de, esa pérdida o ese hueco dejado por. Sentir olvido puede ser incluso contradictorio, puede provocar desazón por no recordar, a la vez que sugestiona tranquilidad porque, precisamente y valga la redundancia, no nos acordamos. Según la Real Academia Española, el verbo olvidar tiene cuatro acepciones. La primera de ellas es dejar de tener en la memoria lo que se tenía o debía tener, y notemos que utiliza los verbos tenía y deber, haciendo referencia a una obligación. ¿Podemos decir entonces que olvidamos aquello que teníamos la obligación de recordar? Quizá, más bien, podríamos distinguir múltiples grados de olvido, pues sinceramente no es lo mismo olvidar las llaves en casa que olvidar a Napoleón en la historia de la humanidad. La historia, la célebre disciplina establecida en el no-olvido, que estudia y expone los acontecimientos pasados por los cuales estamos donde estamos y nos encontramos en el punto en el que nos encontramos. La historia, que incluso producida a pequeña escala a través de una íntima investigación, puede causar una impredecible metamorfosis de nuestro presente con cada descubrimiento de nuevas historias pasadas, de nuevas grandes proezas o de nuevos insólitos personajes. En cierta manera, algo se transforma. Preparémonos, pues. Rescatemos del olvido cinco historias, cinco artistas pasados que construyeron el ahora y que quizá, simplemente quizá, no volvamos a olvidar. T: Rocío Carrasco; Portada: pintura de José Manaut

www.vimeo.com/203415808

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Playa Manaut

Eli Lotar reaparece en el museo Jeu de Paume de París hasta el 28 de mayo a través de la exposición Eli Lotar (1905-1969). Trabajando en conjunto con el Centro Pompidou, el museo expondrá más de 100 copias originales del fotógrafo francés reinventado en cámara en documentales como Las Hurdes, tierra sin pan (1933) de Buñuel o Zuiderzeewerken (1930) de Joris Ivens. Lotar, aunque nacido en París, fue hijo de un poeta rumano y vivió su infancia en Bucarest entre poesía y literatura. Con la intención de convertirse en actor, a los 19 años regresó a París, donde intentó una relación que duró tres años con la fotógrafa Germaine Krull, quien le inició en la fotografía. Sin lugar a dudas, la fuente de inspiración del artista fue la capital francesa y su paisaje urbano. París atrajo a Lotar hacia ese movimiento artístico inspirado en la Bauhaus llamado Nueva Visión. “Deambular por los espacios urbanos era algo más que la búsqueda de un motivo iconográfico para los fotógrafos de la Nueva Visión; era la razón de ser de este renacimiento visual”, escribe Damarice Amao, la comisaria de esta exposición en el catálogo que acompaña la muestra. Los encuadres, los picados y contrapicados sellaron su estilo, aunque posteriormente su obra fue adquiriendo tintes surrealistas mezclados con el compromiso social hacia la realidad. Eli Lotar publicó en revistas como Jazz y Vu, donde se convirtió en pionero de la fotografía de reportaje. Exhibió sus fotografías en galerías como Fotographie der Gegenwart, Film und Foto y Documents de la vie sociale. Fue reconocido, trabajo con grandes artistas, pero ante nosotros su figura se fue desvaneciendo, hasta ahora.

Fotografía de Eli Lotar

Fotografía de Eli Lotar

 

Fotografía de Eli Lotar

Fotografía de Eli Lotar

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Deambular por los espacios urbanos era algo más que la búsqueda de un motivo iconográfico para los fotógrafos de la Nueva Visión; era la razón de ser de este renacimiento visual

La colombiana Alicia Barney, nacida en 1952, fue una de las pioneras del arte ecológico. En 2015 su trabajo experimentó el resurgimiento cuando dos de sus obras fueron compradas por el Museo Nacional de Colombia y cuando, en 2016, fue una de las invitadas a la Bienal de Mercosur en Brasil. En 1969, Berney abandonó su país natal para estudiar en el College of New Rochelle de Nueva York y especializarse en Bellas Artes en el Pratt Institute. Su obra se caracterizó desde sus inicios por un perceptible contenido ambiental y político proyectado desde su naturalidad y sinceridad. La principal influencia de la colombiana fue Claes Oldenburg, artista sueco basado en la metodología de la recolección de objetos. Si sumamos ecología más objetos, el resultado es deducible. En 1970, al volver de Estados Unidos, Berney comenzó a recolectar tapas de botellas de plástico, frascos, alambres, pedazos de caucho y piezas similares en tamaño y aleatoriedad. Este es el origen de su primer trabajo en Colombia titulado Diario-Objeto, una recopilación y transformación reivindicativa de objetos elaborados por la mano humana. Alicia Barney se convirtió así en la primera en denunciar, a través del arte, la polución en el aire de su país y la contaminación de las aguas en el Valle del Cauca, en una etapa histórica en la que proliferaban los paisajistas y retratistas, ajenos a la realidad más directa ambiental y política.

“Estratificación de un basurero utópico” de Alicia Barney

“Estratificación de un basurero utópico” de Alicia Barney

 

Cuando era apenas un niño, José Manaut se rodeaba por las amistades de su padre, Blasco Ibañez, los Benlliure o Sorolla. Precisamente, fue este último el que lo acogió como alumno e impulsó su carrera, que posteriormente alcanzaría estándares internacionales gracias a la obtención de la beca El Paular y otras que le permitieron vivir en París, Bélgica y Holanda. En 2016, Stella Manaut, hija de este pintor valenciano, halló una carpeta con obras inéditas del artista que constituían el testimonio de su período de encarcelación durante el régimen franquista. La carpeta estaba repleta de esbozos acompañados por diarios. Manaut relató de manera admirable, a través de dos expresiones artísticas diferentes, una experiencia que no podemos calificar de otro modo sino como despiadada e inclemente. Tras este descubrimiento, su hija decidió que era el momento de exhibir la obra de su padre. El primer pasó que se llevó a cabo fue la edición de los tres diarios encontrados. La editorial a cargo fue Biblioteca Nueva, que produjo una edición facsímil tanto con los textos como con los dibujos de Manaut, todo ello con anotaciones de Federico Castro Morales y Eduardo González, profesores de la Universidad Carlos III de Madrid. Aunque todavía no se ha realizado ninguna otra actividad, se pretende llevar a cabo un congreso en 2018 sobre la vida y obra del artista. La Diputación de Valencia ya ha cedido el Museo Valenciano de la Modernidad y la Ilustración (MuVIM) para ello. Además, junto a este congreso, se realizarán exposiciones que exhibirán los 330 dibujos hallados.

Pintura de José Manaut

Pintura de José Manaut

 

Desconocido por el gran público. Olvidado. Miguel Blay i Fábrega, uno de los escultores más relevantes del arte español de finales del siglo XIX y comienzos del XX, renació en 2016 gracias a la exposición Solidez y belleza. Miguel Blay en el Museo del Prado que el museo público organizó en dos de sus salas por motivo del 150 aniversario de su nacimiento. Y este es uno de esos casos en los que el talento fue más reconocido fuera de nuestro país. Estudió en París en la Académie Julian, trató a Rodin y dedicó parte de su carrera a crear obras para espacios públicos de Buenos Aires, Montevideo o Panamá. El artista además fue partícipe de diversas corrientes. En dicha exposición que recoge su trayectoria con más de una veintena de obras fundamentales, podemos ver como participó del realismo, el modernismo y el simbolismo para, posteriormente, producirse su evolución hacia los grandes monumentos públicos. Blay logró la medalla de honor en la Exposición Universal de 1900 y fue nombrado Caballero de Honor de la Legión Francesa en 1901. En España abrió estudió en Madrid en 1906. Fue miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, fue profesor de la Escuela Superior de Pintura, Escultura y Grabado de Madrid y director de la Academia de España en Roma. Blay logró todo un reconocimiento que, sin duda, habíamos olvidado.

“Sensitiva” de Miguel Blay y Fábregas para la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

“Sensitiva” de Miguel Blay y Fábregas para la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

 

Terminamos como habíamos empezado, con fotografía y Nueva Visión, centrándonos geográficamente ahora en España, en Cataluña, con Antoni Arissa. En 2014, la Fundación Telefónica como parte de la programación de PhotoEspaña 2014, presentó Arissa. La sombra y el fotógrafo, 1922-1936, una exposición que se compone de 161 instantáneas en blanco y negro, de objetos personales, y que constituye la primera gran antológica dedicada al artista catalán en nuestro país. Aunque Arissa está concebido como uno de los artistas más representativos de la vanguardia fotográfica española, su obra había quedado en la sombra. Desde sus inicios entendió la fotografía como una expresión artística y cuando se trasladó del campo a la ciudad, sus personajes establecidos en la corriente pictórica comenzaron a convertirse en sombras. Su fotografía experimentó una evolución para empezar a fijarse en la composición, la angulación y la iluminación, y alcanzar en su madurez la Nueva Visión, que como Eli Lotar, Arissa convierte en su máxima expresión.

Quizá los habíamos olvidado. Pero también los hemos rescatado. Y son estas pequeñas acciones de recuperación de la memoria las que dan esperanza, las que nos siguen perfeccionando. Miremos a un pasado que fue espléndido en su creación para continuar hacia ese futuro imprevisible. Estos artistas que nunca debieron caer en el olvido engrandecieron su época. Recordándolos, dejemos que también engrandezcan la nuestra.

Fotografía sin título de Antoni Arissa

Fotografía sin título de Antoni Arissa

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