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#lamonoCHATS: bill burke, la realidad supera al arte

Miércoles, febrero 15th, 2017 | T: lamono

El trabajo de Bill Burke es especial; sus fotografías documentan los diversos elementos que componen la sociedad, no a través de un lente intruso, sino a través del lente de un individuo que se ha visto inmerso en aquello que captura. Son pocos los periodistas capaces de alcanzar tal nivel de objetividad en su trabajo, al mismo tiempo, Burke captura las facetas más personales de sus sujetos; ambas características se ven de manera clara en sus imágenes, lo cual demuestra la impecabilidad de su método, su conocimiento sobre el mundo que lo rodea y su respeto por la civilización que documenta. A través de sus obras, Burke arroja una luz sobre narrativas globales que yacen en la oscuridad, escondidas de los medios. Sus capturas en blanco y negro de lugares como el sureste asiático, los Estados Unidos y Brasil, contienen retratos y paisajes íntimos que enaltecen los personajes, los pueblos y las actividades de las comunidades que allí habitan. Sus encuadres capturan escenas espectaculares, como una amputación en una sala de operaciones vietnamita o un gavilán colirrojo americano aferrándose al antebrazo desnudo de su amo. En el año 2011 Burke lanzó su sexto libro, Destrukto, el cual, artísticamente, se desvía del estilo que lo hizo famoso y el cual se transformó en sinónimo de su nombre. En éste, las fotos no son solamente multi-cromáticas sino que también muestran toda la destrucción que ocasiona el consumismo; monitores de ordenadores de los años noventa o pequeñas botellas de Pepto Bismol hechas pedazos. Aunque diferente, esta colección de fotografías representa de manera exitosa las nuevas historias que pululan en la mente de Burke y refleja su método, a través del cual logra edificar críticas certeras hacia el capitalismo. lamono tuvo la oportunidad de sentarse con él para hablar de su vida personal y de su carrera, la cual está a punto de cumplir cincuenta años.

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¿Cuál fue la primera cámara con la que empezaste a fotografiar? ¿Todavía la tienes y la usas? La primera cámara con la cual empecé a fotografiar fue una Voigtländer Bessamatic. No fue la primera cámara que utilicé, pero sí la primera que compré y elegí. Por ese entonces tenía un trabajo durante el verano en el área de construcción en la base naval de Guantanamo. Allí teníamos acceso al intercambio, que es, básicamente, la tienda militar, donde compré la cámara, la cual era muy barata; luego empecé a fotografiar a los trabajadores y lo que hacían. No estoy seguro dónde está ahora, puesto que hace años no la tengo.

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Tu estilo fotográfico, por el cual eres muy reconocido, se decanta en dos perfiles, el del documentalista y el del viajero, ¿cómo crees que ésto se desarrolló? ¿Es viajar y tomar fotos una de tus metas principales en la vida? Viajar nunca fue una de mis metas principales. Harry Callahan fue profesor mío en RISD (Escuela de Diseño de Rhode Island), así que su trabajo tuvo gran resonancia en mí – Emmit Gowin era un compañero mío también – así que estas dos personas y su trabajo formaron mi concepción sobre lo que es la fotografía. Por ese entonces también empecé a ser más conciente acerca del trabajo de otros fotógrafos, como Robert Frank. La fotografía siempre fue algo que asocié con ser un artista. Callahan nunca se disculpó por ser un artista. Y en la universidad, en cuanto a la fotografía y el arte, no había debate alguno, la fotografía era arte. Creo que mi educación, y mis primera influencias, eran meramente artísticas, en vez de ser documentalistas. Sin embargo, muchas de las fotos que tomé entonces eran de mis propias experiencias… ya sabes, cosas con las que te encuentras. Un evento muy importante que me marcó durante mi vida escolar fue una exposición de fotografías de la Farm Security Administration (campaña de rehabilitación rural llevada a cabo en los Estados Unidos para combatir la Gran Depresión) en la Universidad de Connecticut. Algo acerca de esas imágenes se quedó conmigo, porque la motivación detrás de ellas no era hacer arte. Eran puramente documentalistas, aunque más tarde caí en cuenta de que también tenían motivos propagandísticos. Pero el hecho de que pareciesen libres de cualquier concepto artístico y tuviesen como función principal retratar al sujeto, llamó mi atención. Aunque al verlas no fue como si dijese, ‘está bien, ahora voy a ser un fotógrafo documentalista’, sino que la presión de que la fotografía debe ser arte se perdió, y ese concepto se alojó en mi cabeza. Aun así, terminé la escuela pensando que era un artista. Unos años más tarde me invitaron a participar en un proyecto en Kentucky, el cual estaba asociado con el Bicentenario Americano. Esto sucedió porque la agencia National Endowment for the Arts tenía un dinero disponible para apoyar investigaciones fotográficas en varias regiones, y uno de mis amigos aplicó para llevar a cabo un proyecto en Kentucky. Después de ser elegido, me invitó a participar. El proyecto se titulaba The Kentucky Bicentennial Documentary Photo Project. De todas formas, al empezar yo no me sentía del todo cómodo pensando en mí como un documentalista, pero me di cuenta de que se me daba bastante bien. Era algo que satisfacía mi curiosidad; muchas cosas comenzaron a caer en su lugar mientras trabajaba en dicho proyecto, el cual duró de 1975 hasta 1977.

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Gracias a tu trabajo, siempre estás conociendo nuevas culturas y tradiciones, sin embargo, en este libro también has documentado la vida en los Estados Unidos. Siendo tú un norteamericano, ¿fue difícil encontrar sujetos interesantes los cuales valiera la pena documentar? ¿O es acaso la cultura de los estados que documentaste, como Kentucky, muy diferente de aquella en donde creciste (Connecticut)? Kentucky era muy diferente de Connecticut. En Kentucky las industrias de agricultura, minas de carbón y cosecha de tabaco están muy desarrolladas. No hay nada como ello en Connecticut. En Kentucky la gente vivía en las planicies, una vez más, algo muy diferente al mundo en el que yo crecí. Por lo tanto, fue fácil encontrar cosas que me pareciesen interesantes. Tenía la tarea de documentar la vida dentro del estado, lo cual, una vez más, me recuerda a las imágenes de la Farm Security Organization que tanto me gustaron a través de los años. Lo que me motivó, en parte y como siempre, fue la curiosidad, el estar en un mundo diferente que no me era nada familiar. Una de las cosas que más me gustó de trabajar en ese proyecto fue la libertad de no tener que hacer arte. Mi razón para estar allí no era hacer arte, sino capturar la realidad. Ese quebranto de las limitaciones fue liberador, una revelación para mí.

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¿Separas los viajes de placer de los viajes de trabajo, o esa es simplemente una de las ventajas de ser fotógrafo profesional? Siempre he considerado los viajes como una oportunidad para tomar fotos. Sin embargo, en los últimos años he tendido a hacer más viajes por carretera – debido a mi perro – sin salir del país. El próximo verano, durante un mes, conduciré alrededor de los Estados Unidos. Me gusta mucho San Francisco, y hay muchos lugares que me parecen agradables, pero no suelen ser los que elijo para tomar fotos. Durante este verano, sin planearlo en realidad, conduje hasta el oeste y visité muchas tiendas de armas, y con las elecciones presidenciales floreciendo, parecía como si una gran división fuese a ocurrir en el país. Además tenía el objetivo de ir a ver algunas canteras en Wyoming. Estos eran dos temas, si no centrales, al menos periféricos dentro de la elección presidencial. En muchos casos, esta experiencia me hizo más conciente de la burbuja democrática en la cual vivo. Igualmente, siempre me ha interesado el carbón, y fue interesante ver minas de carbón y la posición del resto del país en cuanto al porte de armas.

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Una de las cosas que más me gustó fue la libertad de no tener que hacer arte. Mi razón para estar allí no era hacer arte, sino capturar la realidad. Ese quebranto de las limitaciones fue liberador, una revelación para mí.

Me pareció interesante que tuvieses una pequeña serie fotográfica dedicada a tus perros. En ella hay un par de selfies tuyas con ellos, así como unas pinturas vietnamitas de perros. El refrán, ‘el mejor amigo del hombre’, es muy cierto, al menos en esta parte del mundo. Gracias a tus viajes, ¿crees que éste es un sentimiento que se comparte a través de diferentes culturas? Cuando tomé esas fotos todavía no se habían inventado las selfies. Muchas de mis imágenes sirven para probar que he tenido experiencias de vida. En muchos casos, en los Estados Unidos, viajé junto a mi perro, y él fue parte de lo que me estuviese sucediendo. Él era parte de la experiencia. Siempre suele haber un perro conmigo, así que tienden a aparecer en mis fotos. En los años ochenta y noventa viajé por Vietnam, y supe que había restaurantes que se especializaban en servir carne de perro. Caminando por allí empecé a ver camiones grandes cargados de perros, parecido a los camiones que se ven llenos de pollos en otros países. Investigué un poco lo que sucedía y me enteré de que en cada pueblo había personas que se dedicaban a recoger a los perros callejeros, gatos no deseados o diferentes tipos de animales domésticos. Salían en bicicletas con sogas y jaulas y, o capturaban a los animales en la calle o los recogían de otras personas que ya los habían capturado. Los guardaban entonces en la jaula y los llevaban a un punto central de recolección, a donde llegaba un camión grande cada semana y se los llevaba al norte del país, donde comer perro es algo normal. Así que cuando me enteré de todo este meollo, decidí encontrar a las personas que capturaban a los perros. Por un par de días salí a buscarlos, los seguía y acosaba. Les daba lecciones sobre el budismo y sobre si había perros en el cielo, todo en inglés. Ellos no tenían idea de lo que les estaba hablando, pero aun así yo intentaba acosarlos y educarlos, y, también, expresarles mi horror en cuanto a lo que estaban haciendo. En Camboya, en cambio, los perros grandes y miedosos son vistos como signo de seguridad. De allí tengo una colección de avisos hechos a mano, porque la primera vez que fui, quedé encantado con los avisos de los locales de los dentistas. Eran extraños de una manera clásica; imágenes distorsionadas de bocas abiertas con manos entrando en ellas, algo como una versión hecha a mano de lo que hace un dentista. Yo quería comprar uno, pero mi guía me advirtió que si se lo pedía a un negocio exitoso, ellos pensarían que estaba tratando de meterme con su ‘juju’. Mi guía entonces me sugirió que fuese a las tiendas de avisos en Phnom Penh, y desde entonces he estado coleccionándolos. Les pedí que me hicieran uno para un negocio de fotos, luego empecé a llevarles retratos. También llevé fotos de mis perros a muchos pintores para que realizaran diferentes trabajos. Unos años después algo muy interesante sucedió. Cuando fui la primera vez por los años ochenta, los perros pintados en los avisos ya tenían cierta actitud, pero luego, cuando regresé en los años noventa, había lugares donde encontré pintado un pastor alemán amenazante, para que ‘protegiese la casa’; era claro que estas nuevas pinturas habían surgido de la foto que yo habia llevado allí diez años antes. Así que se puede decir que mi pastor alemán se convirtió en la perro guardián por excelencia de Phnom Penh por un tiempo.

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En tu página web hay una sección llamada Ministerio de Transporte, la cual está dedicada a todos los medios de transporte que le sirven al ser humano para desplazarse. ¿Está relacionado de alguna manera con tu nuevo proyecto A Life At The End of the Gasoline Age? También, ¿qué es lo que te parece tan interesante de acerca de los medios de transporte que decidiste hacerlo un tema recurrente en tus obras? Yo soy el Ministro de Transporte y tengo un sello de goma que lo afirma. Existen muchos ministros, pero yo soy el Ministro entre mis multitudes de motoristas. Algunas de mis fantasías más ardientes en cuanto a automóviles son de cuando era adolescente. En A Life At The End of the Gasolina Age, una de las primeras fotos es una imagen que tomé cuando tenía catorce años. Siempre puedes decir algo sobre alguien por el coche que conduce. Ya sea una opinión personal o tal vez una carga que llevan, puede ser también algún tipo de metáfora. Sin embargo, todo el mundo debe desplazarse. Es una característica en común que compartimos como especie. En lo personal, a mí me gusta conducir motocicletas. Creo que es más que un hobby. Muchos de mis amigos estarían de acuerdo en decir que es como meditar, puesto que te obliga a estar en el presente, el lugar al cual muchas personas intentan llega; las motocicletas les ofrecen esa posibilidad a quienes las conducen. Cuando estás haciéndolo no estás pensando en el futuro o en el pasado, estás bastante anclado justo donde estás. Al final de este libro, la última foto será de unas bicicletas en Vietnam, en referencia al momento cuando se va a acabar la gasolina, y la gente aún tenga ruedas y necesite desplazarse. Aún tendremos la opción de las bicicletas.

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En Destrukto disparas hacia, y destruyes, diferentes productos, entre los cuales encontramos algunas cámaras. ¿Qué significa esto? Creo que todo empezó, en parte, por el hecho de que simplemente es divertido romper cosas y verlas volar en pedazos. De cierta manera también es algo que está relacionado con el trabajo de Harold Edgerton, quien era tanto científico como fotógrafo. Edgerton trabajó en el departamento de ingeniería eléctrica en MIT, y desarrolló la fotografía instantánea con el uso de un estroboscopio, para tomar fotos de acción en muchas disciplinas; tíos dándole a pelotas de béisbol, saltadores de pértiga, y muchos otros objetos en movimiento. Algunas de las fotos que lo hicieron famoso eran de diferentes objetos siendo disparados. Su método era capaz de detener balas, y lograba capturar configuraciones interesantes de objetos mientras eran destrozados. Me encantan sus fotografías y yo fui capaz de pasarlas al vídeo, de una manera muy cruda y poco científica. Pero, debo decir, él fue una referencia para mí debido a su trabajo. Otra referencia sería una foto que tengosobre mi escritorio de Hunter S. Thompson. Es una foto de él disparándole a su máquina de escribir. Aquella es una imagen bastante poética. En el libro Destrukto hay una foto de una sopa de tomate siendo disparada, la cual nos recuerda a Warhol, o a Edgerton. Pero luego también hay fotos de cámaras de 35mm siendo disparadas, y éstas hacen referencia a la imagen que os menciono de Hunter S. Thompson.

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Desde los inicios de tu carrera, y en muchos de los lugares donde has trabajado, siempre suele haber una tensión política latente. Por ejemplo, la guerra de Vietnam que desencadenó en uno de los llamamientos a la paz más grandes que ha habido en el mundo. A partir de tu experiencia personal, ¿sientes que las condiciones globales, en términos de conflictos políticos y sociales, ha mejorado, empeorado o se ha mantenido igual? En los primeros años de mi carrera profesional no me interesaba lo que estaba sucediendo en el mundo ni me fijaba en la tensión que había. Mi generación fue a Vietnam, pero no era algo que yo siguiese particularmente. No fue sino hasta que hubo una verdadera posibilidad de que yo fuera, que me empecé a interesar más en estos temas. Estaba matriculado en la escuela de arte, comenzando mi carrera como profesor y trabajando en el proyecto Kentucky mientras la guerra en Vietnam sucedía y se acrecentaba. Mi interés por ir allí se desarrolló una vez la guerra hubo terminado, dado que fue un evento relacionado de manera estrecha con la historia de mi generación. En cuanto a la situación global, la superpoblación es un problema que solo ha empeorado; el calentamiento global se ha convertido, sin duda, en algo más que una amenaza, y Donald Trump no nos asegura que las cosas vayan a mejorar. Así que sí, yo diría que la situación ha empeorado. ¿Tú no? Es decir, ¿quién pensaría lo contrario?

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