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en España el arte es necesario, pero no rentable: ¿por qué?

Lunes, abril 10th, 2017 | T: lamono

Lo sabemos, nosotros y cualquiera que toque con los pies en el suelo; en España todavía queda un largo camino para que llegue a valorarse el potencial que tiene el arte. Es más, podría decirse que a veces ser artista aquí es lo más parecido que hay a ser voluntario en una ONG. Siempre hemos tenido buenos artistas, pero muchos han encontrado reconocimiento fuera de nuestras fronteras antes que aquí, por la falta de una mentalidad que se base, en parte, en la comunicación y el descubrimiento de las emociones. Aun así, el problema no está únicamente en las instituciones, todo empieza en uno mismo. También los propios artistas deben hacerse respetar, creer en lo que hacen y no aceptar ofertas injustas o denigrantes para no participar de este bucle. Por suerte, no están solos ante este panorama funesto. Nuevas iniciativas nacen todos los años para apoyar los proyectos artísticos que valen la pena, ya sea con su difusión, con apoyo moral o dándoles un lugar en el que trabajar y crear sinergias. Hablamos con algunas de estas plataformas para que nos cuenten, de primera mano, cómo ven la escena artística barcelonesa. T: Vicky Navarro, Foto de portada: Hell Gallery

http://www.cagebcn.com/

http://www.hellgallery.com/

http://cadaverexquisit.com/

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Hell Gallery

Casi la mitad de los artistas en España no llega a los 8.000 euros anuales, mientras que entre aquellos afincados en el extranjero ese porcentaje baja al 37,3%. Si emigran es porque el rendimiento de su trabajo es más alto fuera que aquí. Pero, aunque no sea rentable, la creación artística sigue siendo una necesidad. En cambio, en España la cultura es considerada más bien como un capricho. “¿Qué se puede esperar de un país que no dispone ni de un Ministerio propio de Cultura?”, se pregunta Miguel Leal, cofundador y curador de Hell Gallery. Hace apenas un año que él y su socio Elwood Hailer abrieron las puertas de este espacio, ubicado en el barrio de Sant Antoni y convertido en galería de arte y concept store, para ofrecer su “humilde aportación a salvar la cultura independiente, justamente ahora, cuando más lo necesita”.

“Son tiempos en los que huele a viejos discursos que hay que seguir muy de cerca para no dar pasos atrás en la pérdida de libertades”, explica. Hell Gallery nació como lugar de encuentro para amantes del arte, el diseño, la música electrónica y la cultura independiente, y espacio en el que experimentar, desobedecer y crear sin censura. Incubadora de propuestas subversivas e irreverentes, su objetivo es “ser herramienta de difusión y laboratorio de estas propuestas y artistas que quizás no tienen espacio en otras plataformas más comerciales”. Como en todos los sectores que dependen de la asistencia de público, en el comisariado de exposiciones en los circuitos privados de galerías de arte se abusa mucho del mainstream, y “esto es algo para mirárselo pero también es bastante natural”, afirma Miguel, y añade que “la censura se da en instituciones y museos públicos; contra ésta hay que luchar fuerte”. Al hablar de censura, es inevitable pensar en el reciente “espectáculo censurador bochornoso” del que fuimos testigos en el MACBA con la polémica escultura del rey Juan Carlos I sodomizado y “los consecuentes despidos que sufrieron unos y otros”. Y así es, aunque parezca cosa de otra época, la censura está más presente de lo que creemos. De ahí que vieran necesario crear un proyecto como Hell Gallery, su infierno personal.

GRA023. BARCELONA, 21/03/2015.- El MACBA abre al público la exposición inicialmente cancelada "La bestia y el soberano", que incluye la obra "Haute couture 04 Transport", de la artista austríaca Inés Doujak, alusiva al rey Juan carlos, después de tres días de polémica y acusaciones de censura por parte del mundo cultural y la política. EFE/TONI GARRIGA
La escultura censurada del rey Juan Carlos I, de la artista Inés Doujak

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La única forma de que el artista sea valorado es vendiendo su arte; sólo así podrá pagar sus impuestos, seguir creando y el circuito del arte podrá fluir

Todavía más reciente es la historia de CAGE (Contemporary Art Gallery Exhibitions), que llegó a la ciudad a principios de año y lo hizo pisando fuerte. Convencido de que Barcelona no es tan capital cultural como se dice, su director, Pavel Vicente, afirma que el objetivo de la nueva galería es “proyectar y promover artistas emergentes locales, así como posicionar Barcelona como una ciudad donde se crean propuestas de calidad”. En realidad, todo gira en torno a un punto: vender arte. Tenemos a buenos artistas, existe un público interesado, pero carecemos de una mentalidad que se convenza de que invertir en arte es necesario para que éste pueda seguir existiendo. A Barcelona “le hacen falta coleccionistas y compradores de arte en las galerías; hace falta invertir en una feria de arte contemporáneo más fuerte, que personas de todo el mundo estén esperando una fecha al año para venir a ver cómo galerías locales e internacionales exhiben a sus artistas”, explica. Como ciudad, Barcelona tiene todo el atractivo e infraestructura para hacerlo, y además, una iniciativa así “podría convertirse en una fuente de ingresos para otros negocios, como por ejemplo la feria de arte contemporáneo ARCO de Madrid, que vale mucho la pena”.

La única forma de que el artista sea valorado es vendiendo su arte; sólo así podrá pagar sus impuestos, seguir creando y el circuito del arte podrá fluir. Como cuenta Pavel, el propio sector del arte es el que “subvenciona” el arte; por eso, la relación estable de los artistas con el mercado “sigue siendo un objetivo”. Por su lado, Miguel Leal defiende que “el interés por el arte y la cultura del coleccionismo de una ciudad o país va directamente ligado a su historia y la de sus gentes. España es una democracia relativamente joven, con un pueblo bastante castigado y un acceso a la cultura que nos llegó tarde y mal. Y este tipo de cosas se notan. Aun así, Barcelona es un oasis en el que se respira creatividad y que encabeza un cambio en el interés por el arte y la cultura en las nuevas generaciones”.

CAGE2

CAGE

La cultura todavía está haciéndose camino en una España en la que durante mucho tiempo se ha considerado que había otras prioridades. Pero poco a poco, parece que en ciudades como Barcelona van creciendo las iniciativas que la sustentan. Y no todo es cuestión de una mayor difusión. Aparte de su apuesta por exhibiciones de calidad y por la promoción de los artistas en ferias internacionales, en CAGE también quieren dar pie a nuevos proyectos con la creación de su propio “coworking de negocios”, como lo llama Pavel. Situado en la parte posterior de la galería y en el edificio anexo, el coworking “es donde radica la diferencia con otros espacios de arte. La idea es mezclar los dos mundos; las personas empresarias y creativas con las artísticas, y así inspirar a los emprendedores y promover el arte”. Promoverlo desde el núcleo, a partir de las ideas y con la creación de sinergias que puedan darles forma.

La crisis ha tenido mucho que ver con la proliferación de los coworkings en Barcelona, ya que permiten ahorrar gastos. Pero al mismo tiempo, su éxito se debe a que el hecho de compartir oficina con otros profesionales invita a crear redes de contactos muy interesantes. Uno de los primeros coworkings especializados en arte que llegó a Barcelona fue Cadàver Exquisit, que ha cumplido cuatro años recientemente. En su caso, la mayor parte de usuarios son freelance, así que como cuenta Irati Bustinduy, gestora del espacio, se intenta “llevar a cabo iniciativas para unir más a los coworkers, que se conozcan, y se empapen del trabajo de unos a otros”. Aunque añade que lo que de verdad les une es salir de fiesta.

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Cadàver Exquisit

Todos los días se reúnen en Cadáver Exquisit, diseñadores, fotógrafos, ilustradores y todo tipo de creativos con proyectos propios. Irati explica que “las cosas no son fáciles y menos en un país que con su burocracia y sus políticas no ayuda a impulsar pequeños proyectos y menos en el sector cultural”, pero asegura que “con ganas, ilusión y esfuerzo se puede conseguir cualquier cosa”. Coincide con Miguel en que lo que hace falta más que ayudas al sector, es conciencia y cultura a nivel general: “Hay que educar constantemente a los clientes y eso es algo en lo que estamos muy atrasados. Fuera de España no se regatea tanto el precio de los proyectos y en general está mejor pagado”.

Pavel propone seguir el ejemplo de México, que en 1957 aprobó una política que permite a los artistas pagar sus impuestos al Estado con obras de arte de su producción, adicionalmente a los beneficios claros para el artista. “Hasta donde yo recuerdo, México cuenta ya con más de 7.000 obras de producción nacional producto de esta ley”, afirma. Si nos centramos en el caso de España, vemos casi una utopía que algo así pudiera ser una realidad. Está claro que un cambio de mentalidad es imprescindible (y necesario) para poder evolucionar en este ámbito y hacer que el arte sea siempre el último eslabón de la cadena; ¿por qué no empezar creyendo en nuestros artistas?

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Cadàver Exquisit

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