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el arte de la colectividad: 3 ejemplos que están rompiendo con todo

Jueves, abril 20th, 2017 | T: lamono

La singularidad es la existencia de únicamente uno, a la vez que la distinción de lo común. Napoleón no conquistó casi toda Europa Occidental y Central solo, los derechos civiles de los afroamericanos no progresaron únicamente gracias a Martin Luther King y The Beatles fueron cuatro. La excepcionalidad no es exclusiva de la unidad. Centrando el tema, y renunciando a la abstracción, cuando pensamos en una pieza artística, habitualmente presuponemos un único creador. Sin embargo, en nuestra realidad, el arte se abre camino a través de formatos que rompen precisamente con ese modelo un-objeto-un-artista. El TATE explica que los colectivos artísticos surgen por un objetivo común, porque comparten ideologías, estética y/o creencias políticas. El New York Times, los define como "subculturas en miniatura" que se presentan en diferentes tamaños: parejas, cuartetos, equipos, tribus o comunidades online amorfas. El periódico neoyorkino introduce además esa confusión manifiesta que rodea a estas agrupaciones, pues en ocasiones un grupo de artistas asume la identidad de una persona, en ocasiones una persona asume la identidad de varias y, en todos los casos, la pertenencia puede ser oficial, casual o incluso accidental. Pero podemos estar seguros de que los colectivos cambian nuestra manera de pensar acerca del arte. La singularidad, aceptando aquí la acepción de únicamente uno, es fuerte, pero la colectividad arrasa. Una voz puede ser escuchada pero, como sabemos, la unión hace la fuerza. T: Rocío Carrasco; Foto de portada: LIVE WILD

www.thelivewildcollective.com
www.occupymuseums.org
www.postcommodity.com

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Live Wild

Los problemas sociales y culturales de nuestra doliente sociedad han sido y son inspiración para el arte, constantemente pretendiendo disparar el discurso público hacia estas cuestiones que siempre merecen mayor atención. LIVE WILD, el colectivo formado en agosto de 2014 y formado por siete artistas femeninas, enfocan su objetivo en ellas, ambicionando su visibilidad y reconocimiento, y lo hacen a través de collages, gifs, videos y fotografías. Ellas se agruparon por su similitud estética, pues no pasa desapercibida su admiración por el Surrealismo, el Dadaísmo o el Fluxus, aunque siempre trabajan desde lo personal. Charlotte Fos es arte griego y romano, Anna Hahoutoff fotografía navegando entre diferentes texturas, formas y colores, Marguerite Horay es collage, gifs y videos, Lucie Khahoutian dialoga sobre religión, espiritualidad y lo místico, Lila Khosrovian ejecuta una oda continua a la naturaleza, Camille Lévêque fotografía las relaciones, la identidad y el origen y, por último, Ina Lounguine trata racismo, drogas y armas.

De seis países diferentes, los orígenes y experiencias que se suman en este colectivo forman una armonía equilibrada de diferencias sociales y políticas. Y desde su creencia en el humor, no se centran en una única causa, sino que trabajan la realidad y la fantasía, discuten sobre el destino, el feminismo, la religión, la memoria y la identidad, desarrollando un colectivo que amplifica la voz de la sociedad, para la sociedad y sobre la sociedad, porque como ellas dicen, “we are no passive creator, no muse, we are the Live Wild collective”.

 

Trabajo creado por LIVE WILD

Trabajo creado por LIVE WILD

 

Trabajo creado por LIVE WILD

Trabajo creado por LIVE WILD

 

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Art and culture are the soul of the commons. Art is not a luxury

LIVE WILD no centra su trabajo en una única problemática, y GCC tampoco lo hace, pero lo sitúa en un territorio geográfico concreto: la región del golfo arábigo en Oriente Medio. GCC es un colectivo fundado en 2013 en Art Dubaide formado por ocho miembros: Nanu Al-Hamad, Abdullah Al-Mutairi, Aziz Alqatami, Barrak Alzaid, Khalid al Gharaballi, Amal Khalaf, Fatima Al Qadiri y Monira Al Qadiri, todos ellos con fuertes lazos a la región mencionada. GCC es una referencia a la abreviación de la organización Gulf Cooperation Council (Consejo de Cooperación para los Estados Árabes del Golfo), la unión política y económica entre Baréin, Kuwait, Omán, Catar, Arabia Saudita y los Emiratos Árabes Unidos. Con ello, GCC básicamente denuncia los sistemas de poder cambiantes en el golfo.

Este año una de sus obras se expone en la Whitney Biennial 2017 del Whitney Museum de Nueva York. En octubre de 2016, la policía acudió a una de las playas de los Emiratos Árabes Unidos porque un melón, cubierto por inscripciones talismánicas y perforado con uñas, fue arrastrado por el mar hasta la costa. El objeto fue considerado de magia negra, ilegal en los países del golfo. La obra que se expone en el Whitney es una escultura réplica ampliada de este melón, con la que cuestionan dónde caben las tradiciones y orígenes si no en sus propios países.

Local police find fruit with spells por GCC

Local police find fruit with spells por GCC

OCCUPY MUSEUMS tienen un objetivo más que perceptible, tratan de reclamar el espacio para la cultura significativa por y para el 99%, porque “art and culture are the soul of the commons. Art is not a luxury”. Del mismo modo que el 17 de septiembre de 2011 se ocupó Wall Street porque el 1% de la población que concentra la riqueza y que controla los bancos y las grandes corporaciones quebrantó la confianza de la sociedad americana, los fundadores de OCCUPAY MUSEUMS vieron una conexión directa entre la corrupción de lo que ellos llamaron “high finance” con la “high culture”. Por ejemplo, el MoMA comparte miembros de su junta con miembros de la casa de subastas Sotheby’s, en la que el valor del arte es igual a especulación.

OCCUPY MUSEUMS es un colectivo que, aunque con cientos de colaboradores, se constituye por un núcleo central formado por Arthur Polendo, Imani Jacqueline Brown, Kenneth Pietrobono, Noah Fischer y Tal Beery, que tratan incansablemente de conectar los problemas económicos y de equidad social con las instituciones artísticas. Un ejemplo de ello es el proyecto Debtfair (http://www.debtfair.org) que el colectivo lanzó en 2012, una plataforma que exhibe y categoriza artistas en relación a sus deudas y realidad financiera. Este 2017 han realizado una nueva versión en la cual 30 obras de artistas recogidos en esta plataforma se expondrán en el Whitney Museum de Nueva York. Con ello tratan de reivindicar como los mercados que deben dinero, el artista en este caso, producen beneficios lucrativos para individuos ricos, que forman parte de la mayoría de las juntas de museos y los coleccionistas. Esta relación se representa a través de la figura de Larry Fink, administrador del MoMA y CEO de la empresa BalckRock, que cotiza en cada deuda representada en las 30 obras seleccionadas.

Acción de OCCUPY MUSEUMS en el Museo Guggenheim de Nueva York

Acción de OCCUPY MUSEUMS en el Museo Guggenheim de Nueva York

 

Acción de OCUPPY MUSEUMS en el MoMA

Acción de OCUPPY MUSEUMS en el MoMA

“POSTCOMMODITY connect Indigenous narratives of cultural self-determination with the broader public sphere”. La comunidad indígena se ve representada a través de las creaciones de POSTCOMMODITY, un colectivo de artes interdisciplinarias compuesto por Raven Chacón, Cristóbal Martínez y Kade L. Twist. El arte de este colectivo funciona como expresión de los pueblos indígenas en el asalto continuado del mercado global y las instituciones que lo representan, de las percepciones públicas y de las creencias. POSTCOMMODITY es la voz de una minoría y su lucha contra aquello que compromete la expansiva, multirracial y multiétnica fuerza colonizadora que caracteriza al siglo XXI. Su último trabajo se centra en la frontera entre Estados Unidos y México, un punto geográfico cargado de emociones y de política. Esta pieza trabaja lo que ellos han llamado “condición de amnesia”, la condición de haber olvidado los propios orígenes, sobre todo por parte de los ciudadanos estadounidenses.

A Very Long Line por POSTCOMMODITY

A Very Long Line por POSTCOMMODITY

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