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entrevista: craig stecyk III, un reincidente dedicado



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Su historia va más allá de su relación con los Z-Boys, al igual que sus respuestas van más allá de las preguntas. ¿Cómo presentas una enciclopedia? La vida de Craig Stecyk III da para más de un libro, del cual seguramente se aprendería mucho. Artista, escritor, fotógrafo, empresario, visionario, la lista podría seguir. Pero sabemos que de nada sirven las etiquetas. Sus palabras no sólo narran anécdotas, llevan consigo la filosofía de un hombre que vive en el mundo de todas las posibilidades, donde las oportunidades pululan. Hablamos con él del pasado, el presente y el futuro. T: Jaime Felipe Duarte

-Me gusta pensar que tu visión adelantada y tu talento al escribir y fotografiar llegaron en el preciso momento en el que estaba naciendo el skateboarding moderno, ya que amgos (tus artículos, por un lado, y la manera de patinar de estos chicos, por el otro) son los orígenes de lo que es el skate hoy en día; ¿esto te hace creer en el destino o algo similar?

Mi realidad inmediata estaba sociológicamente propulsada por las actividades de los grupos sociales de Santa Mónica y Malibú. Los coches, el arte, la música, las motocicletas, la fabricación de botes, la pesca y el surf estaban relacionados. En 1958 me interesé por una práctica que por ese entonces se llamaba “surf de acera”. Los únicos que la practicaban eran surfistas, por lo que éramos completamente conscientes de los logros de nuestros ancestros. Indian Jack Quigg, un rider de olas pionero, había bajado las colinas de Santa Mónica con una puerta cortada y patines en los años treinta. Cuando mi generación estaba surgiendo, a los tíos que mirábamos para orientarnos eran Miki Dora, Mike Doyle, Skip Frye, Butch Van Artsdalen, Mike Hynson y Phil Edwards. Todos ellos eran surfistas líderes y también buenos skaters. Terminé interactuando con todos esos individuos y me corroboraron la antigua historia de Quiggs, además de contarme otras parecidas. Búster Wilson, de La Jolla, California, también cabalgó surfskates. Doc Ball, el fotógrafo, siguió surfeando y patinando hasta los noventa años. Así como no había industria para el surf en el inicio, no hubo productos de skate hasta el comienzo de los años sesenta. Lo que sea que haya escrito o fotografiado reflejaba esa pre-historia.

Intenté hacerme eco de la evolución del skateboarding, con una larga historia que empezaba en las olas procedentes de la Polinesia desde la Edad de Piedra, Papa He’e Nalu. Cuando los fabricantes de juguetes aparecieron para contaminar la escena, muchos del los pioneros renunciaron con disgusto. El skateboarding continua evolucionando y ahora es una importante influencia sobre el surf y el snowboarding así como sobre la cultura en general. Esto prueba que las visiones distópicas pueden resultar siendo el futuro.

-Muchas cosas han cambiado en estos últimos 30-40 años, ¿cuáles te sorprenden más en relación al skate y el surf?

Las instalaciones de skate y la creación de máquinas de olas artificiales son desarrollos asombrosos. En el 2017 la industria de los boardsports ascenderá a 19 billones de dólares. The Economist publicó que 35 millones de personas surfearon en el mundo al menos una vez durante el 2011. La primera ola artificial que yo cabalgué fue en un desierto de Tempe, Arizona. En 1969 la marca de tintes capilares Lady Clairol, llevó una máquina de olas a ese lugar, que quedaba a pocos minutos de los estudios arquitectónicos Taliesin West, de Frank Lloyd Wright. El slogan de Clairol era “¿Es cierto que los rubios se divierten más?”. Hoy en día puedes ir al Guggenheim de Bilbao y luego conducir inmediatamente hacia el Wavegarden para surfear. Me gusta la idea de poder entretenerme en escenarios culturales. Disfruté cabalgar en un tubo en un Flowrider en Noruega durante el crepúsculo perpetuo del ártico. Y surfear en un parking en Munich fue igual de gratificante. El aspecto físico en la recreación de un Wavegarden es muy provocativo. Transformar acres de degradación industrial tóxica en un entorno recreacional limpio es un gran logro.

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-¿De qué manera consideras que tus “Dogtown Articles” crearon el vínculo, que aún existe hoy en día, entre el skateboarding y las contraculturas?

Eran noticia cuando se imprimieron por primera vez. Ahora son historia. Esa es la naturaleza de las cosas. Un poema, del otro lado, siempre será un poema. 

-¿Qué estabas intentando transmitir a través de toda la imagen de “Dogtown”?

Que existe un valor intrínseco en hacer las cosas por uno mismo, independientemente de las normas aceptadas por la sociedad.

-Cuéntanos como una obra tuya terminó en el archivo permanente de la Smithsonian Institution.

Estoy involucrado en la producción de obras de arte, las cuales ejecuto y luego paso a otra cosa. Generalmente no calculo una distribución particular para las mismas. Me gusta la idea de que cuando haces una marca en la pared durante la noche, puede no llegar a ver nunca la luz del día. Grapar un póster de papel sobre un poste de teléfono en la mitad del desierto es infinitamente satisfactorio para mí. La naturaleza efímera del material, por ejemplo, la tinta desapareciendo hacia la nada y el papel rompiéndose en partículas microscópicas me atrae. Así como el calor agobiante y la inaccesibilidad de la localización. Si lo que ves no existe, ¿es entonces lo opuesto igualmente cierto? Si nadie ve algo, ¿quiere decir entonces que existe para siempre?

Una parte integral de la creación es que las cosas serán borradas o se perderán irremediablemente. Pero ocasionalmente algunas son encontradas, he tenido piezas expuestas en colecciones institucionales como la del Smithsonian, El Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles y la Galería Nacional de Nueva Zelanda. El tortuoso camino que cualquier artefacto en particular debe tomar para ser expuesto al público es desconocido para mí. Estoy agradecido de que cualquiera se interese por algo que yo haya hecho. Pero no tendría ningún sentido para mí poner un valor elevado sobre el respaldo social o denigrar cualquier proyecto estético que haya realizado. Voltaire dijo “Cualquier cosa que sea demasiado estúpida para ser dicha, puede ser cantada.” Pero en el caso de los museos, se podría fabricar un argumento acerca de que el arte que no es lo suficientemente bueno para sobrevivir en las calles termina colgado en las paredes de los mausoleos culturales. El contexto no garantiza la calidad necesariamente.

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-¿Cuándo y por qué empezaste a hacer películas?

Tenía acceso a herramientas y materiales en mi entorno familiar inmediato. Había un estudio de cerámica, herramientas para tratar el metal, pistolas de aerosol, lijadoras, etc. Mi padre era fotógrafo, así que disponía de un cuarto oscuro con ampliadoras fotográficas Lietz y cámaras Leica, tanto fotográficas como de video. Empecé tomándolas prestadas y rompí algunas. Su beneplácito tenía un límite, así que me metí en el mundo de las casas de empeño y las cámaras usadas. Louis Shell, en Santa Mónica, prestaba dinero para comprar tablas de surf. Él empleaba a surfistas para reparar las abolladuras en su inventario de tablas. Por lo tanto fue un cambio rápido pasar de ser una rata en una tienda de surf a cambiar horas de trabajo por videocámaras golpeadas. Pasé a tener un superávit de equipo porque era barato y de fácil acceso. Terminé con un grip de cámaras de video Eyemo de 35mm, fabricadas por Bell and Howell. Cuando te relacionas con un equipo en específico puedes llegar a entender la totalidad del proceso. Por ejemplo, alrededor de 1969, algunos de nosotros teníamos acceso a cámaras y trabajábamos con ellas para nuestros propios propósitos. Jaime Budge, George Greenbush y Paul Gross eran asociados míos.

Empecé a pasar el tiempo en el taller de Productos Cinematográficos de Ed Digulio, donde tenía acceso a una fuente interminable de partes viejas de cámaras. A través de Digulio estaba al tanto de su increíble programa de desarrollo y fui capaz de armar algunos obturadores de alta velocidad, así como cámaras avanzadas de seguridad en blanco y negro. También presencié la creación, por parte de Garret Brown, de las primeras unidades de estabilización para la Steadicam y su Skycam. En 1975, Ed también reconfiguró los lentes estáticos de la NASA junto a Stanley Kubrick. El director utilizó el modificado lente Zeiss de la NASA para grabar la película Barry Lyndon, a la luz de las velas, lo cual fue revolucionario. Más tarde ese mismo año, Haskell Wexler y Garrett Brown filmaron con la Steadicam, Bound for Glory, que realmente cambió las cosas. Ahora estoy capturando con los lentes empleados por la unidad de Robert Capra, Signal Corps, durante la Segunda Guerra Mundial en Why We Fight. Los conseguí a través de Howard y Sy Wexler. Así que en cierta manera eso los mantiene dentro de la misma familia documentalista. También tengo los lentes de 650 mm Tele Athenar de Dr. Don James y la Nikkormat de Miki Dora.

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-¿A qué dedicas tu tiempo en la actualidad?

Estoy involucrado en un proyecto para desarrollar procesos de cuarto oscuro ambientales, los cuales mejorarán el procesamiento tradicional de las películas en blanco y negro. En la actualidad estamos operando cuartos oscuros en Hawai, California y Nueva York, de acuerdo a estos principios. Uno de ellos es un cuarto oscuro móvil que construí con Eric Haze, montado sobre una furgoneta Chevy 4×4 con plataforma. Tiene capacidad para realizar serigrafías e impresiones sobre madera, además de contar con un conjunto de pinturas en aerosol, entre otras cosas. Está diseñado para poder llevarlo a cualquier lado y/o documentar cualquier cosa. Matt Barker, Jay Mcilvee, John John Florence, Blake Vincent Kuney, Susanne Melanie Berry, John Paul Olson y Rebecca Beard han sido claves para la evolución de estos cuartos oscuros. Tenemos ocho ampliadores vintage Leite que estamos optimizando con la ayuda de Leica Craft. Una de estas unidades ha sido datada de 1926 y David Gensler ha trabajando con el archivo de Leica para conseguirnos los datos técnicos pertinentes en relación con esa rara unidad. Se cree que es el primer modelo de ampliador producido por Leitz, y sigue siendo un dispositivo óptico de precisión muy útil. Cuando imprimes con él, el vínculo con su creador, Oskar Barnack, es claro. Fue Barnack, después de todo, quien inventó la primera Leica y el ahora clásico formato de 24mm x 36mm. La verdad axiomática de la comunicación contemporánea es que los avances tecnológicos han hecho que en los procesos cinematográficos analógicos el uso de la película y las impresiones fotográficas queden obsoleto. ¿Qué mejor momento para utilizar los dos?

-La comunicación es muy importante para ti; cuando todo acabe, ¿cuál te gustaría que fuese el mensaje que quedara de Craig Stecyk III?

Mi objetivo es mantener siempre mi interés. Si mis esfuerzos son provocativamente interesantes para otros y les gustan, está bien. Muchas veces la gente encuentra mis esfuerzos ofensivos y realiza una crítica severa, lo que es una reacción igualmente válida. Las afirmaciones de esos haters de vez en cuando son entretenidas. La Vida Loca, soy un reincidente dedicado.

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-¿De qué manera los medios han influenciado en la evolución del skate y el surf?

Los medios se basan en una industria que es la base económica del skateboarding. El simple hecho de patinar no requiere documentación y continúa tranquilamente por sí solo. Dadaístas a la deriva, planeadores persuasivos, flotando, volando, deslizándose a través de formas, planicies y superficies pasajeras. Los riders están moldeando monumentos que existen durante microsegundos, ¿cómo pueden los medios reflejar eso?

-¿Dónde ves, hoy en día, el espíritu de los Z-Boys?

En todas partes y en ninguna en particular.

-Si tuvieses que escoger al mejor skater que has visto, ¿quién sería y por qué?

He patinado con un gran número de skaters grandiosos, y todos son individuos singularmente diferentes. Generalmente, la siguiente persona que veo en la calle patinando es mi favorita. Cualquier buena línea me emociona. Me gusta la actividad.

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-¿Cuál es el poder de la espontaneidad en el presente?

Ese momento donde no hay planes, no hay lugar para la excusas. Crear cosas verdaderas en tiempo real da pie para que la improvisación se mantenga a la vanguardia.

-¿Al comenzar una obra de arte nueva o un film o algún otro proyecto, realizas un plan previo o te dejas llevar?

A lo mejor tengo algún concepto vago o noción. Pero como Mies van der Rohe dijo, “Menos es más”.

-El monotema de esta edición es PLAY ON, lo cual significa seguir adelante sin importar las reglas, restricciones o cualquier limitación; ¿en qué momentos de tu vida esta filosofía te ha ayudado a lograr lo que has querido?

Cogito Ergo Sum. ¿Existo, luego juego? Elegir es crear una oportunidad. Rene Descartes esta súper impuesto a Pablo Picasso: “Todo lo que se puede imaginar es real.”

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-¿Cómo es vivir con el rótulo de leyenda sobre los hombros?

Las percepciones de los demás son ajenas a mí. Yo simplemente intento llegar al final del día.

-Cuando empezasteis Jeff Ho and Zephyr Surfboard Productions, una de las características que os diferenciaba era no ser convencionales, ¿cómo te sentiste cuando empezasteis a ser las estrellas de rock del mundo del skate?

Nunca me sentí de ese modo. Deberías preguntarle a las otras personas que estuvieron allí. Desde mi perspectiva, sólo hicimos lo que debíamos hacer.

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-¿Cómo ves el futuro del skate?

Lightning Hopkins, el genio del blues dijo, “El caucho en las ruedas es más rápido que el caucho en los tacones”. Así que la base de una industria que se basa en los acontecimientos sobre ruedas parece asegurada. De hecho, la industria de los boardsports y deportes de acción genera cerca de 20 billones de dólares al año. SEMA (Specialty Equipment Manufacturers Association) dice que los productos y servicios de movilidad hechos a medida para la velocidad y el performance registran 31 billones de dólares al año.

El skate es un medio de transporte limpio y funcional y la sociedad lo acabará entendiendo. La arquitectura lo reflejará. Ahora se puede surfear en ciudades alejadas del océano. La cultura acuática evolucionará con esto proporcionando una nueva fuente económica. Los Hot rodders y Lowriders modifican sus vehículos para hacerlos más personalizados y eficientes. Ed ‘Big Daddy’ Roth creó, en 1965, el primer vehículo Surfite, hecho específicamente para ir a surfear en localizaciones que no cuentan con carreteras. El diseño original contaba con un sujetador aerodinámico para la tabla de surf que funcionaba como parte integral del chasis. Roth fabricó el Globe Hopper en 1987, el cual era un descapotable ligero que condujo desde Utah hasta Alaska y de regreso con muy poca gasolina. En el momento de su muerte, Roth estaba trabajando en una serie de vehículos deportivos capaces de cruzar los Estados Unidos con un solo tanque de gasolina. Así que la demanda vinculada a los boardsports parece asegurada.

Los males de este éxito son un tema bastante discutido. ¿Cómo juega cierto individuo la mano de cartas que le han sido repartidas? ¿Puedes mantener la integridad al derrapar sobre una curva si lo haces en calles pavimentadas con oro? ¿Es moralmente correcto conducir un vehículo de carreras a alta velocidad en la zona de un hospital? ¿Qué tan rápido puede ir un Lowrider en una autopista en el desierto que está vigilada a toda hora por drones y monitores? Friedrich Nietzsche dijo, “Quien con monstruos lucha, debe cuidarse de convertirse a su vez en uno. Cuando miras largo tiempo a un abismo, el abismo también mira dentro de ti.” Nuestra realidad perceptiva es aquello que detectamos a través de la limitada cantidad de rayos que vibran en medio de los espectros infrarrojo y ultravioleta. Cuando enfocaron el telescopio espacial Hubble en una zona del espacio en la cual no se veía nada, y la observaron por un largo periodo de tiempo, encontraron que el espacio está lleno de universos más allá de lo que nuestra civilización puede llegar a ver. Existen, en teoría, 500 billones de galaxias descubiertas, de las cuales se ha probado su existencia, pero nadie de nuestro planeta las ha visitado. Hay un gran terreno allí afuera por ser descubierto, climas perfectos con océanos esperando riders, y fuerzas gravitacionales divergentes esperando ser aprovechadas. Todo es una oportunidad.

Puedes leer más entrevistas en español en el issue de mayo/junio de lamono: PLAY ON, aquí. Para recibir la revista en tu casa puedes suscribirte enviando un e-mail a suscripcion@lamonomagazine.com

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His story goes beyond his relationship with the “Z-Boys”; his answers go beyond the questions. How would you introduce an encyclopedia? Craig Stecyk’s life does not fit in a book, though we surely would learn a lot from it. Artist, writer, photographer, businessman, visionary, any way, the list could go on. But we all know labels limit. His words not only come along with anecdotes, they bring as well the philosophy of a man that lives in the world of all possibilities, were there’s an ocean of opportunities. We talked with him about the past, the present and the future. T: Jaime Felipe Duarte

I like to think your ahead-of-time vision and gifted writing and photography came along the precise moment modern skateboarding was being conceived, because both (your articles, on one hand, and the skating of these kids, on the other) are the origins of what skateboarding is right now; does this make you believe in destiny or something similar?

My immediate environment was sociologically propelled by the activities of Santa Monica and Malibu’s costal clique. Cars, art, music, motorcycles, boat building, fishing and surfing were all intricate aspects of their methodology. In 1958 I became interested in the practice of what they then termed “sidewalk surfing.” The only practitioners of this arcane pursuit were surfers, so we were vitally aware of our ancestor’s accomplishments. Indian Jack Quigg, a pioneering wave rider, had ridden down Santa Monica’s hills on a cut down door with skates on it in the 1930’s. When my generation was coming up the guys we looked to for guidance were Miki Dora, Mike Doyle, Skip Frye, Butch Van Artsdalen, Mike Hynson and Phil Edwards. All of them were leading surf riders who were good skaters. I ended up interacting with all of those individuals and they each corroborated that early Quigg story and related other similar tales. La Jolla’s Buster Wilson rode surf skates early on too. Doc Ball the pioneering photographer also continued to skate and surf into his nineties. Just as there was no industry for surfing in the early days, there weren’t any skateboard products until the beginning of the 1960’s. Whatever I wrote or shot reflected that pre-history. I tried to echo the perspective that skateboarding evolved from the long and storied Stone Age Polynesian activity of wave sliding, Papa He’e Nalu. When the toy makers showed up to pollute the scene many of the original trendsetters quit in disgust. Skateboarding continues to evolve and it is now an important influence upon surfing and snowboarding as well as the culture at large. This is proof that dystopian visions can become the future.

Many things have changed over the last 30-40 years, which ones surprise you the most regarding skateboarding and surf?

Purpose built skate facilities and portable wave generation machines are amazing developments. In 2017 the boardsports industry will be a 19 billion $USD collective undertaking. The Economist published that 35 million people worldwide surfed at least once in 2011. The first artificial wave I rode was located in the desert at Tempe, Arizona. In 1969 the Lady Clairol hair-coloring brand commissioned a wave machine to be placed there, which was a few minutes away from Frank Lloyd Wright’s architectural studios Taliesin West. Clairol’s marketing slogan at the time was “Is it true blondes have more fun?” The high and low culture possibilities that collided with one another in this peculiar surf locale were immediately apparent. Nowadays you can attend the Guggenheim in Bilbao and drive immediately over to the Wavegarden for a post-exhibition surf. I like the idea of being able to recreate surrounded by high culture. I enjoyed getting tubed on a Flowrider in Norway during the Arctic’s perpetual twilight. And surfing in a Munich parking lot was equally elevating. The physical remediation aspect of the Wavegarden is very provocative. To transform acres of industrial toxic degradation into a clean recreational environment is a major accomplishment.

In which way do you consider your “Dogtown Articles” created the link between skateboarding and the countercultures, which is still present today?

They were “news” when they were initially printed. They are history now. Such is the nature of things. A poem on the other hand is always a poem.

What were you trying to convey through all the Dogtown imagery?

That there is intrinsic value in doing things yourself outside of accepted societal norms.

Tell us how did a piece of yours end in the Smithsonian permanent archive.

I am involved with the making of artworks, which I typically execute and then move on to something else. Generally I do not envision any particular distribution of them. I like the idea that when you make a mark on a wall at night, it might not ever see the light of day. Stapling up a one-off poster onto a telephone pole in the middle of the desert is infinitely satisfying to me. The ephemeral nature of the materials, i.e. the process of ink fading away to nothing, and the paper breaking down into microscopic particles is an attractant for me. As are the extreme heat and inaccessibility of the location. If what you see does not exist, then is the opposite equally true? If no one sees something, then does that mean it exists forever? An integral part of creation is that things eventually become obliterated or irretrievably lost. But occasionally some get found, I’ve had pieces show up in institutional collections such as the Smithsonian, The Museum of Contemporary Art in Los Angeles, The National Gallery in New Zealand… The tortured path that any particular artifact takes in route to public exposure is unknown to me. I am gratified that anyone is interested in anything that I’ve done. But it would be pointless for me to place any elevated value on societal endorsement or denigration of any aesthetic project I have undertaken. Voltaire said, “Anything that is too stupid to be spoken is sung.” But in the case of museums you could make an argument that art that isn’t good enough to survive on the streets ends up being hung on the walls of cultural mausoleums. Context doesn’t necessarily guarantee quality.

When and why did your filmmaking begin?

I had access to tools and materials in my immediate home environment. There was a ceramics studio, metal shaping tools, spray guns, sanders etc. My father was a photographer, so there was a darkroom with Leitz enlargers and Leica cameras of the still and motion picture variety. I started out by borrowing his equipment and managed to thrash it and break it. His beneficence had a limit and I drifted into the world of pawnshops and used cameras. Louie Shell’s in Santa Monica loaned money for surfboards. Shell employed surfers to repair dings in his board inventory. Ergo, it was a fast drift from being a surf shop rat into trading surfboard labor in exchange for beat up cameras. I gravitated towards army surplus equipment because it was cheap and readily available. Eventually I ended up with a grip of Bell and Howell Eyemo 35mm motion picture cameras. Involvement with specific equipment can lead to an overall understanding of the process. For example around 1969 there was a group of us who were hacking up cameras and reworking them for our own purposes. Jamie Budge, George Greenbush and Paul Gross were associates of mine. Eventually I was hanging out at Ed Digulio’s Cinema Products atelier and had access there to a never-ending supply of old camera parts. Through Digulio I also was privy to their amazing developmental program and was able to rig up some bastardized high-speed shutters, as well as some advanced B&W surveillance camera units. I also was around there to witness the creation of the Garrett Brown’s first Steadicam stabilization units and his Skycam. In 1975 Ed also was reconfiguring National Aeronautics and Space Administration still camera lenses with Stanley Kubrick. The director used the heavily modified NASA Zeiss lenses to shoot the Barry Lyndon film by candlelight, which was revolutionary. Later that same year, Haskell Wexler had Garrett Brown shoot with the Steadicam on Bound for Glory, which really broke things open. Right now I am shooting with lenses that Robert Capra’s Signal Corps film unit used in World War 2 on “Why We Fight.” I got them via Howard and Sy Wexler. So in a way that keeps it all in the same documentary film family. I also have Dr. Don James 650mm Tele Athenar ll lens and Miki Dora’s Nikkormat.

To which endeavors you focus your energy now?

I am involved in a project to develop eco friendly darkroom processes, which will enhance traditional black and white film processing. Currently we are operating darkrooms in Hawaii, California and New York, in accordance with these guiding principles. One of them is a mobile darkroom that I built with Eric Haze that is outfitted on a 4×4 Chevy van platform. It has serigraphic capabilities, woodblock printing, an array of spray paint and so forth. It is designed to go anywhere and do/document anything. Matt Barker, Jay Mcilvee, John John Florence, Blake Vincent Kuney, Susanne Melanie Berry, John Paul Olson and Rebecca Beard have all been instrumental in the evolution of these proto darkrooms. We have eight vintage Leitz enlargers that we are optimizing with the help of LeicaCraft. One of these units has been dated to 1926 and David Gensler has been working with the Leica archive to get us relevant technical data regarding this rare unit. It is believed to be the first model Leitz enlarger produced, and it is still a very serviceable precision optical device. When you print with it, the link to its creator, Oskar Barnack, is readily apparent. It was Barnack, after all, who invented the first Leica and the now classic 24mm x 36mm format.

The axiomatic truth of contemporary communication is that technological advances have rendered both analog-based cinema employing real film and actual photographic prints obsolete. What better time to use both?

Communication plays a big role for you. When it all comes down to an end, which would you like to be the main message behind Craig Stecyk III?

My only goal is to keep myself interested. If my efforts are provocatively interesting to others and they are pleased, then that is fine. Many times people that encounter my efforts are offended and offer harsh criticism, which is an equally valid reaction. The assignations of such haters are oftentimes very entertaining. La Vida Loca… I am a dedicated recidivist.

How has the media influenced in the evolution of skateboarding and surf?

The media reports on an industry, which is the economic basis of skateboarding. The basic act of skateboarding requires no documentation and continues on quite nicely on its own. Drifting Dadaists, planers of persuasiveness, skimming, flying and sliding through ever-changing forms, planes and surfaces. Riders are carving monuments that exist only for microseconds, how can the media reflect that?

Nowadays, where do you see the spirit of the “Z-Boys”?

Everywhere and no place in particular.

If you had to choose the best skateboarder you’ve ever seen, who would it be and why?

I’ve gotten to skate with a number of great skaters, and they are all uniquely different individuals. Usually the next person I see riding down the street becomes my favorite for the moment. Any good line gets me excited. I like the activity.

What’s the power in spontaneity and the present?

Where there are no plans, there is no room for excuses. Creating things live in real time allows improvisation to remain at the forefront.

When you start a new piece of art or a film or any other project, do you carry out a previous plan or you just let go?

At best I might have a vague notion or concept. But as Mies van der Rohe proclaimed, “Less is more.”

This issue’s theme is PLAY ON, which means to keep on going regardless of the rules, restrictions, or any other limitation; in which moments in your life this philosophy has helped you to achieve what you want?

Cogito Ergo Sum. I am therefore I play? Choice equals chance. Rene Descartes is superimposed onto Pablo Picasso… “Todo lo que se puede imaginar es real.” Everything you can imagine is real.

What is like living with the legend label on your shoulders?

Other people’s perceptions are theirs. I just try to make it through each day.

When you guys started the Jeff Ho and Zephyr Surfboard Productions, one of the characteristics that differentiated you was not being mainstream at all, how did you feel when you started to become the rock stars of the skateboarding world?

I never felt that way. So you should ask the other people who were there. From my perspective, we just did what we had to do.

How do you see the future of skateboarding?

Lightning Hopkins, the genius bluesman opined, “Rubber on wheels is faster than rubber on heels.” So the basis of an industry that caters to matters of motion seems assured. Indeed the size of the action/boardsports industry is about 20 billion $USD annually. SEMA, the Specialty Equipment Manufacturers Association, says that custom/speed/performance automotive products and services account for 31billion $USD annually. Skateboarding is a clean functional mode of transportation and society eventually will realize that. Architecture will reflect that. Surfing can now be done in cities far away from the ocean. Aqua culture will travel with it providing new food sources. Hot rodders and low riders modify their vehicles in manners that make them more personalized and efficient. Ed ‘Big Daddy’ Roth created Surfite, the first vehicle ever specifically conceived for surfing off-road purposes in 1965. The landmark design had an aerodynamically contoured surfboard holder that functioned as an integral part of the body. Roth built the Globe Hopper in 1987, which was a lightweight roadster that he drove from Utah up into Alaska and back on very little gas. At the time of his death, Roth was working on vehicular sporting cars that were capable of crossing the USA on a single tank of fuel. So the demand for boardsports and other performance transport seems assured. The illness of such success is a much-discussed topic. How does a concerned individual play the hand he or she is dealt? Can you keep the integrity of a curb grind intact if it is done on streets paved with gold? Is it moral to pilot a two hundred mile per hour street racer in a hospital zone? How high can a low rider hop on deserted highways, which are surveilled 24-7-365 by drones and monitors? Friedrich Nietzsche observed “He who fights with monsters should be careful lest he thereby become a monster. When you gaze long into an abyss the abyss also gazes into you.” Our perceptual reality is that which we detect in the limited amount of rays that vibrate between the infrared and ultraviolet light spectrums. When they focused the Hubble Space Telescope on a patch of sky with nothing in it and observed it for a long period of time they found deep space to be crammed with universes far beyond what our civilization can see. There are 500 billion theoretically discovered galaxies that have been proven to exist in the universe, but no one has ever visited them from our planet. There’s a lot of terrain out there yet to be experienced, perfect climates with oceans awaiting riders and differing gravitational forces waiting to be harnessed. It’s all opportunity.

You can read more interviews in english at lamono’s May / June printed issue: PLAY ON hereTo recieve the print magazine at home you can subscribe to lamono by sending an e-mail to suscripcion@lamonomagazine.com

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